NETWORK - SIDNEY LUMET

Network: Un mundo implacable (1976)

Dirección: Sidney Lumet

El entorno televisivo puesto al descubierto a través de crudas sátiras y magníficas interpretaciones, en una película que con su elegante guión busca explícitamente generar una reflexión acerca de como se maneja el más popular de los entretenimientos.

Se narra la historia de Howard Beale (Peter Finch), un presentador de noticias que al ser despedido debido al bajo rating de su programa, anuncia en vivo sus intenciones de suicido al mismo tiempo que declara a sus televidentes su opinión acerca del mundo, definiendo todo su entorno como una gran mentira. A raíz de este incidente la audiencia crece y los ejecutivos del canal deciden mantener a Howard con su programa y su nueva faceta de profeta desequilibrado. Paralelamente se encuentra la historia de Diana Christensen (Faye Dunaway) y su ascenso en la compañia gracias a sus descontroladas ideas para ganar más espectadores, dentro de las cuales se incluye el programa de Howard y un nuevo show sobre las actividades de una organización terrorista. Finalmente, para marcar el nexo entre estos dos personajes y su aterrizaje a la tierra se encuentra Max Schumacher (William Holden), un ex ejecutivo del canal, hombre de familia, mejor amigo de Howard y amante de Diana; es él la única muestra de cordura y moral dentro de algo que parece más un manicomio que una sociedad.

A través de sus ingeniosas líneas, Network critica severamente  a los canales de televisión y sus métodos para generar audiencia a toda costa. Todo el contenido televisivo que se incluye en la historia es la descripción del morboso gusto del público que hasta hoy en día se viene manipulando desmesuradamente; sexo, violencia y escándalos. Así, la película está ambientada en Estados Unidos de los años 70, época en que el espectáculo de la televisión cobraba día a día más fuerza para influir en la vida de las personas, colocando a los canales de televisión a un nivel de dioses frente a un espectador completamente alienado culturalmente.

En alguno de sus controversiales monólogos, Howard Beale hace mención de las actuales generaciones  que nacen y crecen en un mundo donde su única fuente de información es la televisión, creemos todo lo que les dicen sin refutar nada porque así fuimos programados. Por eso, Beale representa nuestra hipocresía diaria al estar conscientes de nuestra responsabilidad social y mismo tiempo siendo indiferentes, solo para seguir formando parte de este perverso sistema. Complementarimente, el personaje de Diana es la encarnación del propio sistema, una mujer fría y calculadora dispuesta a todo por el rating. Todas estas situaciones avanzan en el tiempo para ir formando una burbuja de atrocidades cada vez más cerca de explotar.

Además del guión y el sobresaliente desempeño de sus protagonistas, resalta como un sutil detalle el hecho de que el filme no tenga más música que la que se escucha como parte de la ambientación real de los shows, lo cual le da un estilo de documental sobrio y centrado en el mensaje que quiere transmitir.

Sin lugar a dudas, esta película con más de 40 años, es una obra maestra  que toca un tema aún vigente, delicado, importante y que merece ser revisado repetidas veces; tal como todo trabajo de Sidney Lumet. 

Con toques de humor, tragedia y frases como: "There is no America. There is no democracy. There is only IBM, and ITT, and AT&T, and DuPont, Dow, Union Carbide, and Exxon. Those are the nations of the world today.", se mezclan los ingredientes de una materialización de ideas que uno no podrá sacarse de la cabeza en mucho tiempo.

WHIPLASH - DAMIEN CHAZELLE

Whiplash (2014)

Dirección: Damien Chazelle

Una incómoda tensión de hora y media al ritmo del Jazz. En manos de un joven director llega una obra llena de emociones muy particulares. Con un guión original y alejándose totalmente de lo que son las típicas historias sobre estudiantes de música, Whisplash cuenta como un joven obsesionado de la batería es presionado hasta el límite por su explosivo maestro, viviendo al filo de lo que separa la disciplina de la pérdida de cordura.

La historia no cuenta mucho acerca del background acerca de las vidas de los dos personajes principales, centrándose más que nada en su experiencia juntos y el choque entre sus personalidades, enfermizas y arrogantes.

J.K Simmons, interpreta su más aclamado papel hasta la fecha de forma impecable, como un ser humano justificado en sí mismo de lo que hace; en contraste con un alumno lleno de impulsos y malas decisiones.

La cinta se centra en brindar sensaciones intensas gracias al excelente trabajo de edición y efectos visuales y para percibir al máximo el duro camino al éxito personal, en conjunto con una gran banda de sonido, se puede experimentar la obsesión, la envidia, la cobardía, la venganza, la insensatez.

Llevada con un "tempo" acelerado, la película acierta innegablemente como un trabajo muy personal pero a la vez orientado al disfrute de todo público. La adrenalina mantiene a uno pegado al asiento deseando ver más, mientras concuerda con un final inmejorable.

Por favor, deja tu comentario.

BOYHOOD - LINKLATER

Boyhood: Momentos de una vida (2014)

Dirección: Richard Linklater

Boyhood, este 2014 es una de las grandes favoritas para los premios estadounidenses de cine y televisión. Ya sea por su larga expectativa al haber tardado doce años en poderse terminar, teniendo en pie la idea de utilizar a los mismos actores mientras cambiaban su apariencia física a lo largo del tiempo, o por el simple hecho de que está sea la mejor producción de Richard Linklater hasta la fecha. Personalmente, aún prefiero varios de los trabajos anteriores de este director, pero eso es otro tema; fuera de todo, Boyhood resultó siendo una muy buena película.

El contexto es bastante simple, pues se narran a lo largo de aproximadamente dos horas y media los momentos más destacados entre los cinco y dieciocho años de la vida de Mason, un niño y posteriormente adolescente del estado de Texas. Mason vive con su madre y su hermana mayor, Samantha, y durante mucho tiempo esta familia se enfrentan a diferentes situaciones relacionadas con repentinas mudanzas, las relaciones de pareja de la madre y la acertada presencia del padre de los niños, Tommy, un hombre que después de resolver sus "man issues" adquiere una nueva posición para formar parte de la vida de sus hijos.

Las trama gira completamente entorno a Mason sin distraerse en ningún otro personaje ni asuntos que no tengan nada que ver con el protagonista directamente, lo cual nos lleva a a dejar a la interpretación los acontecimientos que van en un segundo plano. Mason recorrerá el viaje de la adolescencia rodeado de un sinfín de personas que entran y salen de su vida casi automáticamente; pero será su familia aquellos a quienes nunca pierde. 

El estilo que se utiliza es a mi parecer muy "americanizado", en el sentido en que nos venden nuevamente su "cool lifestyle", clichés de padres divorciados y jóvenes en constante experimentación; y a pesar de tener como ejemplo a un chico apático y desorientado como todos lo estuvimos alguna vez, la historia se siente bastante honesta. Alejada de las fantasías de primeros amores y ridículos finales felices, lo único que no me gustó de esta película, además del opening ambientado por Coldplay, es su falta de fondo y un objetivo que le de trascendencia; a lo mejor estoy equivocado y resulta siendo un gran ejemplo de lo que es la vida en esa etapa tan añorada y como sus problemas cotidianos al final resultan ser irrelevantes en el futuro. Pero en fin, no todo puede ser perfecto.

Podemos caer en tener gran expectativa; aún así, valga la redundancia, es una muy buena película.

Por favor, deja tu comentario.

ERASERHEAD - LYNCH

Eraserhead (1977)

Dirección: David Lynch

David Lynch se lució al presentar como opera prima, y a la vez el trabajo que lo pondría en los ojos del mundo, una obra excepcional y única en su género . Esta película no dejando de ser una ficción, permite tomar un rumbo hacia el centro del  tenebroso surrealismo que habita en nuestros propios sueños y así encontrar una inexplicable simpatía por lo plasmado en la pantalla.

Se narra la oscura historia de Henry Spencer, un hombre inseguro que vive atormentado por espantosas pesadillas. Un día es invitado a cenar por los padres de su novia, allí se entera que tiene un hijo con ella. Inexplicablemente, el niño resulta siendo una especie de feto zoomorfo acurrucado en un rincón de la pequeña habitación donde habita Henry, mientras tanto la vida del protagonista continúa siendo un vaivén de situaciones espantosas tanto en sueños como en la realidad.

Los personajes atraviesan acontecimientos que carecen de toda lógica posible, aún así, continúan con su vida sin alterarse, y es que tratar de encontrar el porque de estas cosas no algo por lo que uno deba preocuparse al momento de ver el film. Todo evento por absurdo que sea no puede ser tomado seriamente.

Desde un comienzo se muestra en blanco y negro un mundo tétrico; hay ruidos y escenarios que provocan sentimientos de vacío, soledad y tristeza. Son los personajes reales y los personajes de los sueños habitantes de dos mundo que de pronto dejan de ser paralelos. 

Todo en esta película no es solamente extraño, es impactante hasta hasta el punto de preguntarse en silencio ¿Cómo hizo eso?

Sin dudas es una película que provoca ansías de volver ver una y otra vez. Con el único fin de seguir encontrando detalles, más no interpretaciones, en las extravagantes escenas que no diría son perturbadoras, sino desagradablemente hermosas.

Por favor, deja tu comentario.

COMO EN UN ESPEJO - BERGMAN

Såsom i en spegel (1961)

Dirección: Ingmar Bergman

Un particular evento acontecido durante veinticuatro horas de la vida de una atormentada familia son suficientes para dejarnos una invaluable experiencia visual, científica, filosófica y emocional utilizando elementos muy simples, pero explotados al máximo por el asombroso ingenio de Bergman.

Teniendo como escenario una pequeña casa de campo y sus alrededores en una solitaria isla, la historia que se desarrolla en esta película narra como la progresiva pérdida de cordura de Karin, una joven víctima de la esquizofrenia, afecta directamente en la vida de su padre, su esposo y su hermano. El padre es un escritor que se la pasa viajando y el hecho de no estar cerca de sus hijos los entristece seriamente, principalmente a su hijo Minus, que siendo aún adolescente se encuentra confundido por el estado de su hermana y al mismo tiempo trata de conseguir sin éxito la auténtica atención de su progenitor, el mismo que ha venido utilizando egoístamente la enfermedad de su hija como inspiración para sus textos. Martín, el esposo, que vive preocupado por la salud de Karin y habiéndole ya sido confesado por los médicos que la enfermedad es incurable busca acercarse a ella con afecto pero en lugar de eso debe soportar la frustración ante una mujer que cambia sus momentos de lucidez por excitantes visiones y obediencia a misteriosas voces que ella relaciona con la mística del contacto con un ser superior.

Viendo muy clara la influencia del teatro, esta cinta posee sublimes tomas en blanco, negro y verde, de las cuales tanto los cuatros personajes como los bellos paisajes marítimos son protagonistas. Puesta en marcha con una curiosa simpleza, pues solo bastó cuatro actores, una casa, un bote, un barco encallado y una pieza de Bach para transmitir emociones únicas a través de la formidable actuación de Harriet Andersson como Karin. 

En tonos de drama y terror se muestra un problema muy serio y un estilo de vida europeo muy tradicional con un panorama triste, incómodo, incompasivo; seres humanos luchando en su miserable existencia y un dios cruel en su ausencia. Una obra enajenante, reflexiva, memorable.

Por favor, deja tu comentario.

EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN - ELISEO SUBIELA

El Lado Oscuro Del Corazón (1992)

Dirección: Eliseo Subiela

[...me importa un pito que las mujeres/ tengan los senos como magnolias o como pasas de higo;/ un cutis de durazno o de papel de lija./ Le doy una importancia igual a cero,/ al hecho de que amanezcan con un aliento afrodisíaco/ o con un aliento insecticida./ Soy perfectamente capaz de soportarles/ una nariz que sacaría el primer premio/ en una exposición de zanahorias;/ ¡pero eso sí! -y en esto soy irreductible/ - no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar.]

Con estos versos de Oliverio Girondo se inicia está increíble historia filmada en los lugares más poéticos de Buenos Aires y Montevideo.

Oliverio, es un solitario poeta que con nulo éxito intenta hacer trascendencia con su trabajo literario. Algunos de los versos que recita en las calles, acompañados por muchos otros de Girondo, Juan Gelman y Benedetti, le ayudan a subsistir en su día a día. Pasa el tiempo juntos a otros dos amigos artistas a la vez que es visitado regularmente por "la muerte", encarnada en una agradable y sabia mujer. Pero una de sus principales pasiones, es llenar el vació de su vida a través de encuentros casuales con bellas mujeres a las cuales desecha una vez cumplido el cometido de acostarse con ellas, poniendo como excusa infalible los versos mencionados al principio. Sin embargo, conocerá a Ana, "la mujer que vuela", una prostituta que mueve su mundo irremediablemente, irónicamente a causa del rechazo sentimental que esta le ofrece repetidas veces.

Esta cinta posee un guión basado en la poesía de una manera muy conmovedora, cada escena está repleta de motivaciones recitadas apasionadamente por sus protagonistas, en un ambiente tan acogedor como oscuro y melancólico. La frustración causada por ese amor incomprendido se deja fácilmente distraer en esas faenas cotidianas, necesarias para sobrellevar el resto del día junto a la sociedad, los amigos y la propia mente alborotada de Oliverio, que a través de interesantes alegorías visuales nos remonta a experimentar sus dilemas y preocupaciones de una manera brillante.

Además, los siempre oportunos versos se apoyan en una innumerable cantidad de hermosas melodías que van desde boleros, valses, tangos y jazz; y sin mencionar las precisas letras de las canciones, es como si el sueño de vivir enamorado y tener siempre la palabra exacta para expresar nuestras emociones sea tangible a través de esta obra.

Un autentico popurrí artístico para encender "nuestro lado oscuro del corazón".

Por favor, deja tu comentario.

JOHNNY GUITAR - NICHOLAS RAY

Johnny Guitar (1954)

Dirección: Nicholas Ray

¿Por qué deberías de resaltar una cinta que a simple vista es otro western más? Pues porque hay ciertas situaciones a las que es tan fácil acogerse para olvidar todo por un instante. Solo basta con sentarse y mirar al frente para dar inicio a un buceo mental lleno de color y poesía.

Joan Crawford interpreta a Vienna, una mujer audaz que corre un pequeño salón de apuestas a las afueras de un pueblo dominado por un grupo de familias que pretenden adueñarse de todo el territorio e impedir la construcción de una vía férrea que traería más y nuevos pobladores al lugar. Este grupo de personas son influenciados por la despiadada Emma, la cual busca a toda costa eliminar a Vienna y al denominado Dancin Kid y su banda. Las cosas se alborotan con la llegada de un personaje que se hace llamar a sí mismo Johnny Guitar, un hábil pistolero que pretende hacerse pasar por un simple músico, siendo en realidad el antiguo amante de Vienna, la cual es pretendida al mismo tiempo por Dancin Kid.

Narrada con una dinámica muy entretenida, la historia es una mezcla de acción, drama y suspenso que pasa de desafiantes conversaciones a violentos encuentros y persecuciones casi inadvertidamente; trayendo de la mano pintorescos planos de su protagonista y ágiles líneas de diálogo con una calidad entrañable. Se destaca al mismo tiempo el gran uso del color, tanto en las tomas de exteriores, como en el ya clásico salón Vienna's, con su curiosa decoración y el relajante sonido de una ruleta girando. La tensión permanente se crea a partir de los tercos enfrentamientos entre dos damas que heroicamente dominan un mundo de hombres, el clima de nostalgia de un triángulo amoroso sin remedio y la lucha innecesaria por un orgullo varonil,erróneamente manifestado.

No está de más considerar la falta de moral que tienen los personajes en relación al valor que perciben sobre la vida de otro. Vienna es la única representación de lo correcto y deberá enfrentarse de manera obligada a sus recuerdos reprimidos, los intereses egoístas de sus enemigos y sentimientos de venganza incurable, que serán finalmente eliminados por una tardía epifanía, evidentemente clara desde un principio.

Un film clásico con elementos muy interesantes que tuvo gran influencia para el cine de la nueva ola en Francia y porque "todo lo que necesita un hombre es una taza de café y un buen cigarrillo".

Por favor, deja tu comentario.