COMO EN UN ESPEJO - BERGMAN

Såsom i en spegel (1961)

Dirección: Ingmar Bergman

Un particular evento acontecido durante veinticuatro horas de la vida de una atormentada familia son suficientes para dejarnos una invaluable experiencia visual, científica, filosófica y emocional utilizando elementos muy simples, pero explotados al máximo por el asombroso ingenio de Bergman.

Teniendo como escenario una pequeña casa de campo y sus alrededores en una solitaria isla, la historia que se desarrolla en esta película narra como la progresiva pérdida de cordura de Karin, una joven víctima de la esquizofrenia, afecta directamente en la vida de su padre, su esposo y su hermano. El padre es un escritor que se la pasa viajando y el hecho de no estar cerca de sus hijos los entristece seriamente, principalmente a su hijo Minus, que siendo aún adolescente se encuentra confundido por el estado de su hermana y al mismo tiempo trata de conseguir sin éxito la auténtica atención de su progenitor, el mismo que ha venido utilizando egoístamente la enfermedad de su hija como inspiración para sus textos. Martín, el esposo, que vive preocupado por la salud de Karin y habiéndole ya sido confesado por los médicos que la enfermedad es incurable busca acercarse a ella con afecto pero en lugar de eso debe soportar la frustración ante una mujer que cambia sus momentos de lucidez por excitantes visiones y obediencia a misteriosas voces que ella relaciona con la mística del contacto con un ser superior.

Viendo muy clara la influencia del teatro, esta cinta posee sublimes tomas en blanco, negro y verde, de las cuales tanto los cuatros personajes como los bellos paisajes marítimos son protagonistas. Puesta en marcha con una curiosa simpleza, pues solo bastó cuatro actores, una casa, un bote, un barco encallado y una pieza de Bach para transmitir emociones únicas a través de la formidable actuación de Harriet Andersson como Karin. 

En tonos de drama y terror se muestra un problema muy serio y un estilo de vida europeo muy tradicional con un panorama triste, incómodo, incompasivo; seres humanos luchando en su miserable existencia y un dios cruel en su ausencia. Una obra enajenante, reflexiva, memorable.

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EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN - ELISEO SUBIELA

El Lado Oscuro Del Corazón (1992)

Dirección: Eliseo Subiela

[...me importa un pito que las mujeres/ tengan los senos como magnolias o como pasas de higo;/ un cutis de durazno o de papel de lija./ Le doy una importancia igual a cero,/ al hecho de que amanezcan con un aliento afrodisíaco/ o con un aliento insecticida./ Soy perfectamente capaz de soportarles/ una nariz que sacaría el primer premio/ en una exposición de zanahorias;/ ¡pero eso sí! -y en esto soy irreductible/ - no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar.]

Con estos versos de Oliverio Girondo se inicia está increíble historia filmada en los lugares más poéticos de Buenos Aires y Montevideo.

Oliverio, es un solitario poeta que con nulo éxito intenta hacer trascendencia con su trabajo literario. Algunos de los versos que recita en las calles, acompañados por muchos otros de Girondo, Juan Gelman y Benedetti, le ayudan a subsistir en su día a día. Pasa el tiempo juntos a otros dos amigos artistas a la vez que es visitado regularmente por "la muerte", encarnada en una agradable y sabia mujer. Pero una de sus principales pasiones, es llenar el vació de su vida a través de encuentros casuales con bellas mujeres a las cuales desecha una vez cumplido el cometido de acostarse con ellas, poniendo como excusa infalible los versos mencionados al principio. Sin embargo, conocerá a Ana, "la mujer que vuela", una prostituta que mueve su mundo irremediablemente, irónicamente a causa del rechazo sentimental que esta le ofrece repetidas veces.

Esta cinta posee un guión basado en la poesía de una manera muy conmovedora, cada escena está repleta de motivaciones recitadas apasionadamente por sus protagonistas, en un ambiente tan acogedor como oscuro y melancólico. La frustración causada por ese amor incomprendido se deja fácilmente distraer en esas faenas cotidianas, necesarias para sobrellevar el resto del día junto a la sociedad, los amigos y la propia mente alborotada de Oliverio, que a través de interesantes alegorías visuales nos remonta a experimentar sus dilemas y preocupaciones de una manera brillante.

Además, los siempre oportunos versos se apoyan en una innumerable cantidad de hermosas melodías que van desde boleros, valses, tangos y jazz; y sin mencionar las precisas letras de las canciones, es como si el sueño de vivir enamorado y tener siempre la palabra exacta para expresar nuestras emociones sea tangible a través de esta obra.

Un autentico popurrí artístico para encender "nuestro lado oscuro del corazón".

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JOHNNY GUITAR - NICHOLAS RAY

Johnny Guitar (1954)

Dirección: Nicholas Ray

¿Por qué deberías de resaltar una cinta que a simple vista es otro western más? Pues porque hay ciertas situaciones a las que es tan fácil acogerse para olvidar todo por un instante. Solo basta con sentarse y mirar al frente para dar inicio a un buceo mental lleno de color y poesía.

Joan Crawford interpreta a Vienna, una mujer audaz que corre un pequeño salón de apuestas a las afueras de un pueblo dominado por un grupo de familias que pretenden adueñarse de todo el territorio e impedir la construcción de una vía férrea que traería más y nuevos pobladores al lugar. Este grupo de personas son influenciados por la despiadada Emma, la cual busca a toda costa eliminar a Vienna y al denominado Dancin Kid y su banda. Las cosas se alborotan con la llegada de un personaje que se hace llamar a sí mismo Johnny Guitar, un hábil pistolero que pretende hacerse pasar por un simple músico, siendo en realidad el antiguo amante de Vienna, la cual es pretendida al mismo tiempo por Dancin Kid.

Narrada con una dinámica muy entretenida, la historia es una mezcla de acción, drama y suspenso que pasa de desafiantes conversaciones a violentos encuentros y persecuciones casi inadvertidamente; trayendo de la mano pintorescos planos de su protagonista y ágiles líneas de diálogo con una calidad entrañable. Se destaca al mismo tiempo el gran uso del color, tanto en las tomas de exteriores, como en el ya clásico salón Vienna's, con su curiosa decoración y el relajante sonido de una ruleta girando. La tensión permanente se crea a partir de los tercos enfrentamientos entre dos damas que heroicamente dominan un mundo de hombres, el clima de nostalgia de un triángulo amoroso sin remedio y la lucha innecesaria por un orgullo varonil,erróneamente manifestado.

No está de más considerar la falta de moral que tienen los personajes en relación al valor que perciben sobre la vida de otro. Vienna es la única representación de lo correcto y deberá enfrentarse de manera obligada a sus recuerdos reprimidos, los intereses egoístas de sus enemigos y sentimientos de venganza incurable, que serán finalmente eliminados por una tardía epifanía, evidentemente clara desde un principio.

Un film clásico con elementos muy interesantes que tuvo gran influencia para el cine de la nueva ola en Francia y porque "todo lo que necesita un hombre es una taza de café y un buen cigarrillo".

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RELATOS SALVAJES (WILD TALES) - SZIFRÓN

Relatos Salvajes (2014)

Dirección: Damián Szifrón

La tarde anterior al día en que fui al cine para ver está película un tío mío -cuyo juicio en el tema es casi siempre muy acertado- elogió con gran satisfacción esta cinta haciendo mención de la poca expectativa que tenía cuando se animó a ir a verla y basándose en la "baja calidad" de las películas que normalmente llegan. Yo muy entusiasmado, le comente que iría cuanto antes a mirarla, habiendo escuchado ya de antemano un sinfín de recomendaciones y excelentes críticas de la prensa; incluso escuché al mismísimo Ricardo Darín celebrar confiadamente al  director por su obra final y el impacto que ha venido teniendo en los espectadores.

Relatos Salvajes es una secuencia de seis breves historias completamente independientes una de otra en cuanto a su argumento, pero con extraordinarias ironías de la vida cotidiana como común denominador, cargadas de humor negro y sorpresivos desenlaces; la cinta promete mantener entretenidos a sus visitantes de principio a fin. 

Sin embargo, se han dado lugar una buena cantidad de comentarios en contra la película, principalmente por la gran expectativa generada a raíz de su efectiva publicidad, su participación en Cannes y el estar nominada para los Oscars de habla no inglesa. Todos estos factores, y personalmente me identifico, hicieron que cuando uno finalmente vaya a ver el film, este pendiente de algo que nunca llega, ni llegará. La película es divertidísima, tiene un guion muy bien elaborado en cuanto a diálogos y plantea ingeniosamente temas importantes en la sociedad actual; brinda una propuesta muy fresca con un estilo auténtico y actuaciones de primera categoría, buena música, buenas tomas pero al mismo tiempo hay un cierto elemento perdido o en todo caso ausente, esa chispa que podría haber trasformado a la película en una obra de arte de mayor, esa fuerza emocional que haría que sin lugar a dudas forme una huella en la historia, a raíz de un trabajo que tendría todo el potencial para hacerlo.

Cortázar dijo que la novela gana por puntos, mientras que el cuento lo hace por knockout; es posible que se pueda aplicar la misma analogía para diferenciar a una película con un solo argumento de aquellas que constan de varias tramas. Y es que aunque el principal problema de Relatos Salvajes sea no haber podido cubrir un vació que se había prometido llenar, vale la pena verla y tener sin lugar a dudas una experiencia muy gratificante.

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EN LA SELVA NO HAY ESTRELLAS - ROBLES GODOY

En La Selva No Hay Estrellas (1966)

Dirección: Armando Robles Godoy

Hay una particularidad en el cine peruano que merece reconocimiento, y es que siempre ha existido gente muy talentosa con una gran visión para hacer películas; lo único que siempre ha faltado y aún sigue faltando hasta ahora, es el desarrollo de una industria cinematográfica que apueste por nuevos y cada vez mejores proyectos. Así el público empiece a dejar de lado la "basura hollywoodense" que semana a semana reemplaza en las salas de cine a las propuestas artísticas locales.

Si bien, este es un tema de actualidad, me refiero a él porque la falta de interés por el cine nacional hace que el espectador promedio ignore por completo obras como la qexprondré a continuación, digna de poder considerarse un clásico.

En  la selva no hay estrellas narra las aventuras de un hombre que habiendo sido informado de la existencia de una vieja mujer que guarda una gran cantidad de oro decide emprender una travesía a través de la selva peruana, con el fin de apoderarse del precioso metal que celosamente se alberga junto a su dueña en una escondida comunidad indígena.

La trama se va desarrollando por medio de saltos en el tiempo, que una y otra vez remiten tanto a los sucesos que atraviesa el protagonista en su misión principal, como a una serie de recuerdos del pasado que de cierta forma sirven para atormentarlo. Nos encontramos con un personaje desvergonzado, embustero, egoísta, que buscará ante todo salir triunfante sin importar el precio que tenga que pagar.

De cierta forma, es su estilo narrativo el que da un toque muy interesante a esta película, acompañada además de una banda sonora muy adecuada. Los diálogos que se escuchan irregulares a las tomas recuerdan a la vanguardia desarrollada en la Nouvelle Vague (en la foto, el niño corriendo podría haber sido una intencionada referencia a los 400 golpes de Truffaut) y siendo al mismo tiempo una de las cintas pioneras en el tema de la vida en la amazonia americana guarda un enorme valor cultural que vale la pena revisar.

Robles Godoy, fue el primer cineasta peruano en recibir reconocimiento internacional gracias justamente a esta pieza que espero que con el tiempo no quede nunca olvidada, como lo fue hecho ya alguna vez.

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A FISTFUL OF DOLLARS - SERGIO LEONE

Por Un Puñado De Dólares (1964)

Dirección: Sergio Leone

Hoy en día cuando se habla de remakes se habla comúnmente de basura comercial. Es comprensible su propósito, pero ello no justifica el querer mejorar sin éxito un trabajo de calidad solo por ganar una nueva generación de espectadores, si es que es así como se plantea algunas veces. Pero afortunadamente tenemos "A fistful of dollars", remake no oficial de Yojimbo de Akira Kurosawa. 

La trama de ambas películas es prácticamente la misma, un hombre solitario y misterioso llega a un desolado pueblo en donde dos familias enemigas se disputan el control del mismo. El nuevo inquilino decide jugársela como una especie de mercenario y fortalecido por su asombrosa habilidad con el revolver, reconocida casi instantáneamente por los habitantes del lugar, utiliza su ingenio para sacar provecho de ambos bandos, conforme a su conveniencia.

A pesar de la evidente similitud entre el guión de las dos películas mencionadas, lo que destaca aquí es la buena adaptación que tiene la historia a dos realidades muy parecidas, pero con piezas muy diferentes. Mientras que en Yojimbo tenemos a un pueblo japonés, con todas sus costumbres, vestimentas y expresiones propias de su lenguaje, "Por un puñado de dólares", se ambienta al estilo de los western estadounidenses, con armas de fuego en lugar de sables y mexicanos en lugar de nipones.

Va de a mano con esta producción, conocida también por ser el pilar de los espagueti western, la clásica interpretación de Clint Eastwood. La mirada, el habano cortado, el poncho, son algunos elementos que hasta hoy en día hacen que el actor quede en la memoria de muchos como un icono popular trascendente. Hay que tener en cuenta que estamos hablando de un personaje con una moral extraña, por un lado busca su interés propio a costa de la muerte de otros hombres, pero por otro lado busca también hacer justicia; y es que la verdad, no basta solo con aparentar grandeza sino ser un ciento por ciento competente.

Otras cosas que llaman la atención son los primeros planos, que tomaron otro sentido al momento de crear suspenso en este tipo de cintas; además hay decenas de tomas curiosamente realizadas, como por ejemplo aquellas escenas con caballos en marcha, las botas filmadas al ras del suelo y los heroicos tiroteos, cuyo estilo puede verse en otros films similares. Y sin dejar pasar la picardía de algunas situaciones, acompañadas musicalmente por la magnífica primera colaboración de Ennio Morricone con Sergio Leone, se puede decir que el producto final es de primera.

Vale la pena completamente mirar esta película y si no viste la versión original de Kurosawa, te recomiendo que lo hagas también. "-Adiós amigo".

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GONE GIRL - DAVID FINCHER

Perdida (2014)

Dirección: David Fincher

El director de está cinta es uno de los que mejor buscan retratar el estilo de vida estadounidense del nuevo siglo XXI y puede que en un futuro aún lejano, sus películas sean recordadas por esta característica en especial. 

Un matrimonio, investigación policial, prensa sensacionalista y desequilibrio mental son las piezas del último trabajo de David Fincher que regresa nuevamente con lo que podría ser su género intrínseco, para mantener a su audiencia intrigada de principio a fin. 

En esta ocasión tenemos al ya revindicado Ben Affleck, interpretando a un hombre cuya esposa súbitamente desaparece un día, hecho que genera una serie de eventos en la localidad tras la aparición de confusas pistas que señalan a este hombre como el principal sospecho en el caso. A partir de aquí empezaran un sinfín de encuentros y giros inesperados, mentiras, engaños por doquier y una alternación entre ausencia y presencia de empatía a medida que uno se adentra en la historia.

Tal vez no sea más que otra cinta sobre crimen y misterio y su paso a la posteridad este aún por determinar, pero hay que admitir que el guión juega el rol más importante aquí, es curiosamente impredecible y no deja cabos sueltos en una trama que te descompone justo en el instante que pensabas tener todo resuelto. Tiene idas, vueltas y entradas de personajes con diferentes funciones para afectar a los protagonistas tanto a nivel personal como social. Algo que particularmente llama la atención es la relación evolutiva que tiene la historia en contraste con la puesta en escena, siendo al principio un relato esperanzador con un tono deprimente, poco a poco  se deja entrar la luz en cada escena a medida que la situación se torna más oscura y perversa, al punto de provocar temor y paranoia.

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