CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND - STEVEN SPIELBERG

Encuentros Cercanos Del Tercer Tipo (1977)

Dirección: Steven Spielberg

Alguna vez leí como Terry Gilliam comparaba a Kubrick con Spielberg, diciendo que las películas de este último tienen como elemento común un final feliz; nunca tendrás que llegar a casa y ponerte a reflexionar o buscar algún significado de lo que viste, por lo tanto, es allí donde radica el éxito de su trabajo y es lo que hace de Spielberg un director hollywoodense por excelencia. De acuerdo con Terry Gilliam, tal vez la fórmula del éxito es darle siempre a la gente lo que quiere ver y realmente lo único que quiere un espectador es pasarla bien. Sin embargo, hay otra cuestión que es al mismo tiempo irrefutablemente cierta, Steven Spielberg es un tipo que sabe como hacer una gran película. 

Dejando de lado la preferencias de géneros y creencias personales, hace falta muy poca cosa para animarse a pasar el tiempo mirando ciencia ficción. Es un género muy atractivo y no se cual podría ser la situación en el momento que esta película vio la luz, pero hoy en día los extraterrestes siguen siendo muy populares y han sido recreados ya centenares de veces en mil y un contextos diferentes. Pero encuentros cercanos del tercer tipo es distinta y guarda un asunto mucho más importante que el puro entretenimiento.

La base de la historia se resume de la siguiente forma: Roy (Richard Dreyfus), un hombre de familia común y corriente experimenta el encuentro con un OVNI, a partir de lo cual su creciente interés a raíz de algún extraño contacto psicológico lo lleva a obsesionarse por hallar una respuesta hasta el punto de perderse en una aparente locura. Roy conoce a Jillian, la madre de un niño muy pequeño que también siente la misma conexión he interés de saber que es lo que está pasando. Complementariamente a todo esto, nos encontramos con el personaje de Lacombe (Francois Truffaut), un científico apasionado del tema que junto a su equipo de investigación y el gobierno estadounidense busca hacer un contacto, basando sus pistas a partir de extraordinarios acontecimientos que se han venido presentando a lo largo del mundo. 

Todos los elementos puestos en el guión, conllevan esas interrogantes comunes sufridas por muchos ante el misterio y la confusión de pensar que sorpresas nos aguarda más allá de la atmósfera terrestre, llegando a descomponer todo lo que sabemos ante situaciones que escapan completamente a toda nuestra compresión de la vida como la percibimos.
La cinta entera está plagada de profesionalismo por todas partes, pasando por las interpretaciones, los efectos especiales hasta la edición del sonido que llega a hacer temblar toda la habitación. 

Evidentemente y fuera de toda opinión contraria acerca de la forma de ver estas cosas, el producto final es impecable.

Me voy a quedar por algún tiempo con el gusto de recordar algunas tomas como, la reacción de Richard Dreyfus en su primer encuentro, el ambiente de locura y desesperación en la casa Jillian y su hijo cuando la nave extraterrestre se presenta ante ellos y el saludo de señales con las manos que Truffaut ejecuta, por nombrar algunas. Sin duda, una gran escenificación de lo que podría llegar a ser el evento más importante en la historia de la humanidad.

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THERE WILL BE BLOOD - P.T. ANDERSON

Petróleo Sangriento (2007)
Dirección: Paul Thomas Anderson

Conozco el trabajo de Daniel Day-Lewis por referencias, sin embargo no he llegado a ver en profundidad mucho de este en la pantalla. Hay películas que este popular actor ha hecho a lo largo de su carrera y es imposible negar que han dejado una huella de trascendencia difícil de no reconocer, huella que espero a partir de ahora seguir con más atención, animado por encontrarme con más experiencias similares a las que tuve mientras disfrute de esta imperdible obra de dos horas y media.

Daniel Plainview es un hombre astuto que encuentra su razón de vida en la extracción de petróleo en una comunidad estadounidense a comienzos del siglo XX. En compañía de su pequeño hijo va adquiriendo experiencia y reconocimiento como uno de los mejores en el campo a medida que su imperio personal crece. Sin embargo, debe enfrentarse a distintos problemas dentro de la comunidad, siendo el más significativo de ellos su rivalidad con el joven pastor de la congregación religiosa dominante en el pueblo.

Un poco conocido Paul Dano, es el encargado de interpretar al pastor. Su desempeño cae muy bien a la historia como un personaje pesado, infantil, vengativo, que junto a la presencia de Day-Lewis como un villano de la vida real, logran sacar lo peor de cada situación vivida como seres humanos incompatibles en si mismos y dentro de la sociedad. Avaricia, ausencia de amor y fanatismo religioso son algunos de los temas que se tocan en la cinta cuyo ya sugerente título revela que las cosas van a salir eventualmente mal. 

Pero sin duda alguna, el mayor crédito se lo lleva el director, que además, se encargo de adaptar el guión para mostrarnos un propuesta diferente. Desde la banda sonora hasta los increíbles efectos especiales en las escenas del petróleo, captadas con impresionantes planos secuencia, dan a este drama un aire tétrico en las irónicas situaciones que enfrentan los protagonistas puestas en marcha con auténtico detalle, desde la aparición del título hasta la última línea de los créditos.

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BANDE À PART - JEAN-LUC GODARD

Banda Aparte (1964)

Dirección: Jean-Luc Godard

Antes de empezar ha rellenar de palabras estás líneas, tengo que confesar de ante mano la enorme admiración que siento hacia el cine de la Nouvelle Vague y sobre todo a Godard, películas llenas de vanguardia y autenticidad, uno siempre termina lleno de inspiración de alguna u otra forma. Sin dudas, la mejor muestra de la importancia del cómo muy por encima del qué.

En fin, Bande à part cuenta con un elemento trivial pero efectivo: el trío. Dos hombres y una chica, receta perfecta para los problemas. Sin embargo está no es particularmente una historia de amor, a pesar de las situaciones relacionada, es algo más parecido a un film de criminales, pero más inocente. 

Odile, una chica que vive con una tía en una gran casa conoce en una clase de literatura inglesa a Franz y Arthur, los cuales la convencen de robar una gran cantidad de dinero que se esconde en la casa mencionada, el resto es historia.  

Entre los personajes podemos distinguir diferentes personalidades, Franz como el idealista y romántico pero lento, Arthur, como el osado, egocéntrico e interesado y Odile, inocente, ingenua y encantadora. Todo se mezcla en una aventura de ensueño por las calles de París. Y es que está película muy por aparte de su trama, está repleta de ingeniosas escenas cargadas de humor negro y como sacadas del arca dorada de las ideas. Muchos coincidirán en que la escena del baile en el café y una carrera por el museo de Louvre son el momentos escogidos para su posteridad en lo clásico.

La cinta es altamente recomendable y promete mucho más allá que entretenimiento, serios sentimientos encontrados, ya sean a través de Shakespeare, Anna Karina o el vivo recuerdo de otros films con detalles inspirados en este. 

BEFORE MIDNIGHT - RICHARD LINKLATER

Antes del Anochecer (2013)

Dirección: Richard Linklater

*Indispensable no perderse la primera y segunda parte, "Before Sunrise" y "Before Sunset".

Algunas personas catalogarían ciertas películas dentro del género "cine de turismo", algo así como algunas películas que hizo Woody Allen estos últimos años, en donde el entorno físico de los eventos es un incuestionable protagonista. Dicho sea de paso, la trilogía popularmente conocida como "Before..." merece una mención como un trabajo que a diferencia de otras famosas franquicias mucho más taquilleras y reconocidas conserva una calidad de serio compromiso en todas sus entregas. 

En esta tercera parte, se tiene el mismo esquema con diferente fondo, Ethan Hawke y July Delpy hablan, hablan y hablan, mientras realizan un itinerario de ensueño europeo, en esta ocasión la península del Peloponeso en Grecia. De la ciudad al campo y a diferencia de sus antecesoras, esta última parte nos muestra a una pareja casada en situaciones mucho más convencional, con problemas más reales y sentimientos más parecidos a lo que todos los que han estado en una relación sentimental han pasado.

Las discusiones de los personajes vienen dadas, como ya es conocido, por un guión cuidadosamente desarrollado bajo un diálogo lleno de banalidades cotidianas y curiosidades culturales. Las largas tomas que particularmente no recurrieron a ninguna improvisación son claves para dar una sucesión dinámica a cada una de las escenas que pretenden transcurrir en menos de doce horas, en otras palabras, un día tan "especialmente" común como todos.

La personalidad y actitud de cada protagonista quedan a la reflexión y comprensión de cada quien, pues uno como espectador tendrá eventualmente que escoger un bando a defender. Mas vale recordar que el film, con un clima de parcial oscuridad y un pesimismo infiltrado, deja muy claro como el amor y las relaciones lo son todo, menos fáciles. 

Finalmente, quien diría que  después oír a dos personas conversar durante más de noventa minutos, por tercera vez, quieres seguir escuchándolos aún más.

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AN AMERICAN WEREWOLF IN LONDON - JOHN LANDIS

Un Hombre Lobo Americano en Londres (1981)

Dirección: John Landis

Resumiendo rápidamente el contexto. Dos jóvenes estadounidenses sufren el ataque de una extraña criatura. Uno de ellos muere, mientras que el otro contrae la maldición del licántropo, pues solamente fue mordido. Mientra se recupera en un hospital trata de explicar sin credibilidad lo sucedido, desarrolla una atracción mutua con su enfermera, recibe incómodas visitas de su fallecido compañero y enfrenta un dilema mortal entre la enfermedad y la cordura.

Utilizando elementos de clásicas y modernas leyendas acerca del popular hombre lobo, que incluyen a la luna llena, su mordida contagiosa y la maldición de vagar en el limbo aquellas almas que tuvieron el infortunio de padecer en manos de uno, esta particular historia se desarrolla en un ambiente fantástico empapado de pesadillas horrendas, consecuencias fatales y un estilo de comedia negra inesperado.

Esta película, si bien no destaca por grandes actuaciones ni un guión de profundo mensaje, regala al espectador una experiencia inolvidable. En referencia a típicos clichés que frecuentemente nos ofrecen las películas de terror, resulta muy excitante disfrutar de la tensión que crea Landis con muchos de ellos en un mundo místico, sobrenatural y a la vez tan ordinario para nosotros como lo es el siglo XX. No está demás la mención de irónicas situaciones por las que atraviesan sus personajes en una auténtica prueba de lo que puede esperarse del amor y la amistad.

Obviamente, no podía faltar una ansiada transformación en la noche de luna llena, digna de ser repetida una y otra vez gracias al excelente trabajo de maquillaje e ingeniosas técnicas de stop motion, simplemente inolvidable.

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HUGO - MARTIN SCORSESE

La Invención de Hugo Cabret (2011)

Dirección: Martin Scorsese

Durante algún tiempo y luego de ver el trailer me resistí de ver esta película, pues de cierta manera tarde en asimilar que Scorsese había realizado una cinta familiar, sin sangre, sin sexo, sin drogas, sin Dicaprio ni De Niro. Esto ya suena muy mal porque es terrible poner etiquetas, pero eso me pasó. Sin embargo, Hugo es la prueba del infinito valor emocional que día a día se pierde por culpa de los prejuicios. Afortunadamente, no me prive de la experiencia.

Hugo, ambientada en los años 30, es la historia de un niño que vive sólo en las paredes del la estación de trenes de París, pasa sus días dando cuerda a los grandes relojes, escapando de un inspector y su perro, y robando piezas de la juguetería de un viejo hombre, con el fin de reparar un autómata que le dejo su padre antes de morir. Es a partir de que el viejo juguetero atrapa a Hugo y le quita una libreta con un contenido que extrañamente le altera que el niño y la sobrina del viejo pasarán  un sinfín de aventuras juntos, mientras descubren que la relación del juguetero con el averiado autómata guarda un invaluable viaje en el tiempo.

Se percibe un mundo lleno de colores pero también de recuerdos de una época diferente. Siendo está una producción apta para todos se conserva mucho la inocencia en la personalidad de sus personajes, pero también es evidente sentir angustia, generada por la soledad de un niño abandonado, la arrogancia que disfraza la falta de afecto en la vida del inspector y los fantasmas del pasado de un hombre frustrado. Se guarda mucha experiencia de vida y profesionalismo con tomas largas y grandes efectos, pero sobre todo con una gran historia. La búsqueda de Hugo por encontrar un mensaje de su padre que aparentemente no existe, junto con los recuerdos e ilusiones de una familia  legendaria, llevan a conmoverte hasta los hueso, mientras se proyecta el clásico "Le voyage dans la lune" de George Melies, en una escena inolvidable.

Y es que Hugo, no es solamente una película, es un homenaje, una fiesta lanzada para honrar tanto al hombre como a su obra que permiten que hoy en día tengamos al cine como el maravilloso arte que  nos apasiona a todos.

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ÁTAME! - ALMODÓVAR

Átame! (Tie Me Up! Tie me down!) - 1990
Dirección: Pedro Almodóvar

Ricky, escenificado por un joven Antonio Banderas,  es un muchacho desequilibrado que a penas sale libre de un centro mental secuestra a una actriz de la cual ha vivido enamorado desde hace algún tiempo, Marina (Victoria Abril). El secuestro se da en el apartamento de la propia muchacha en donde Ricky le confesará que el único objetivo de su proceder es lograr que ella también llegue a enamorarse de él.

Nos encontramos con el prototipo de un anti héroe muy particular, un romántico, un loco nocivo para la sociedad, el típico perdedor inadaptado, se entremezcla con su opuesta condición, la princesa del castillo, un ser perfecto que tiene poco para dar y mucho que perder. Junto van formando parte de una historia con la cual es muy fácil quedarse enganchado en cuanto a comedia e intriga corresponde.

En realidad, hay muy poco que reprocharle a una película hecha con tantos elementos entrañables que van desde la irresistible simpatía de sus personajes hasta los emotivos sobresaltos  que genera la evolución secuencial en la actitud de Marina, llegando al clímax con una escena de sexo inundada de auténtica pasión únicamente superada por el "no lo sé," más dolorosamente sincero, jamás dicho. 

Sin embargo, no dejaron de entrometerse un par de escena eróticas innecesarias, y un final muy repentino, pero que a fin de cuentas cumple con dejar una inocente lección en la representación más extraña de que el fin justifica los medios.

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