BOYHOOD - LINKLATER

Boyhood: Momentos de una vida (2014)

Dirección: Richard Linklater

Boyhood, este 2014 es una de las grandes favoritas para los premios estadounidenses de cine y televisión. Ya sea por su larga expectativa al haber tardado doce años en poderse terminar, teniendo en pie la idea de utilizar a los mismos actores mientras cambiaban su apariencia física a lo largo del tiempo, o por el simple hecho de que está sea la mejor producción de Richard Linklater hasta la fecha. Personalmente, aún prefiero varios de los trabajos anteriores de este director, pero eso es otro tema; fuera de todo, Boyhood resultó siendo una muy buena película.

El contexto es bastante simple, pues se narran a lo largo de aproximadamente dos horas y media los momentos más destacados entre los cinco y dieciocho años de la vida de Mason, un niño y posteriormente adolescente del estado de Texas. Mason vive con su madre y su hermana mayor, Samantha, y durante mucho tiempo esta familia se enfrentan a diferentes situaciones relacionadas con repentinas mudanzas, las relaciones de pareja de la madre y la acertada presencia del padre de los niños, Tommy, un hombre que después de resolver sus "man issues" adquiere una nueva posición para formar parte de la vida de sus hijos.

Las trama gira completamente entorno a Mason sin distraerse en ningún otro personaje ni asuntos que no tengan nada que ver con el protagonista directamente, lo cual nos lleva a a dejar a la interpretación los acontecimientos que van en un segundo plano. Mason recorrerá el viaje de la adolescencia rodeado de un sinfín de personas que entran y salen de su vida casi automáticamente; pero será su familia aquellos a quienes nunca pierde. 

El estilo que se utiliza es a mi parecer muy "americanizado", en el sentido en que nos venden nuevamente su "cool lifestyle", clichés de padres divorciados y jóvenes en constante experimentación; y a pesar de tener como ejemplo a un chico apático y desorientado como todos lo estuvimos alguna vez, la historia se siente bastante honesta. Alejada de las fantasías de primeros amores y ridículos finales felices, lo único que no me gustó de esta película, además del opening ambientado por Coldplay, es su falta de fondo y un objetivo que le de trascendencia; a lo mejor estoy equivocado y resulta siendo un gran ejemplo de lo que es la vida en esa etapa tan añorada y como sus problemas cotidianos al final resultan ser irrelevantes en el futuro. Pero en fin, no todo puede ser perfecto.

Podemos caer en tener gran expectativa; aún así, valga la redundancia, es una muy buena película.

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ERASERHEAD - LYNCH

Eraserhead (1977)

Dirección: David Lynch

David Lynch se lució al presentar como opera prima, y a la vez el trabajo que lo pondría en los ojos del mundo, una obra excepcional y única en su género . Esta película no dejando de ser una ficción, permite tomar un rumbo hacia el centro del  tenebroso surrealismo que habita en nuestros propios sueños y así encontrar una inexplicable simpatía por lo plasmado en la pantalla.

Se narra la oscura historia de Henry Spencer, un hombre inseguro que vive atormentado por espantosas pesadillas. Un día es invitado a cenar por los padres de su novia, allí se entera que tiene un hijo con ella. Inexplicablemente, el niño resulta siendo una especie de feto zoomorfo acurrucado en un rincón de la pequeña habitación donde habita Henry, mientras tanto la vida del protagonista continúa siendo un vaivén de situaciones espantosas tanto en sueños como en la realidad.

Los personajes atraviesan acontecimientos que carecen de toda lógica posible, aún así, continúan con su vida sin alterarse, y es que tratar de encontrar el porque de estas cosas no algo por lo que uno deba preocuparse al momento de ver el film. Todo evento por absurdo que sea no puede ser tomado seriamente.

Desde un comienzo se muestra en blanco y negro un mundo tétrico; hay ruidos y escenarios que provocan sentimientos de vacío, soledad y tristeza. Son los personajes reales y los personajes de los sueños habitantes de dos mundo que de pronto dejan de ser paralelos. 

Todo en esta película no es solamente extraño, es impactante hasta hasta el punto de preguntarse en silencio ¿Cómo hizo eso?

Sin dudas es una película que provoca ansías de volver ver una y otra vez. Con el único fin de seguir encontrando detalles, más no interpretaciones, en las extravagantes escenas que no diría son perturbadoras, sino desagradablemente hermosas.

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COMO EN UN ESPEJO - BERGMAN

Såsom i en spegel (1961)

Dirección: Ingmar Bergman

Un particular evento acontecido durante veinticuatro horas de la vida de una atormentada familia son suficientes para dejarnos una invaluable experiencia visual, científica, filosófica y emocional utilizando elementos muy simples, pero explotados al máximo por el asombroso ingenio de Bergman.

Teniendo como escenario una pequeña casa de campo y sus alrededores en una solitaria isla, la historia que se desarrolla en esta película narra como la progresiva pérdida de cordura de Karin, una joven víctima de la esquizofrenia, afecta directamente en la vida de su padre, su esposo y su hermano. El padre es un escritor que se la pasa viajando y el hecho de no estar cerca de sus hijos los entristece seriamente, principalmente a su hijo Minus, que siendo aún adolescente se encuentra confundido por el estado de su hermana y al mismo tiempo trata de conseguir sin éxito la auténtica atención de su progenitor, el mismo que ha venido utilizando egoístamente la enfermedad de su hija como inspiración para sus textos. Martín, el esposo, que vive preocupado por la salud de Karin y habiéndole ya sido confesado por los médicos que la enfermedad es incurable busca acercarse a ella con afecto pero en lugar de eso debe soportar la frustración ante una mujer que cambia sus momentos de lucidez por excitantes visiones y obediencia a misteriosas voces que ella relaciona con la mística del contacto con un ser superior.

Viendo muy clara la influencia del teatro, esta cinta posee sublimes tomas en blanco, negro y verde, de las cuales tanto los cuatros personajes como los bellos paisajes marítimos son protagonistas. Puesta en marcha con una curiosa simpleza, pues solo bastó cuatro actores, una casa, un bote, un barco encallado y una pieza de Bach para transmitir emociones únicas a través de la formidable actuación de Harriet Andersson como Karin. 

En tonos de drama y terror se muestra un problema muy serio y un estilo de vida europeo muy tradicional con un panorama triste, incómodo, incompasivo; seres humanos luchando en su miserable existencia y un dios cruel en su ausencia. Una obra enajenante, reflexiva, memorable.

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EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN - ELISEO SUBIELA

El Lado Oscuro Del Corazón (1992)

Dirección: Eliseo Subiela

[...me importa un pito que las mujeres/ tengan los senos como magnolias o como pasas de higo;/ un cutis de durazno o de papel de lija./ Le doy una importancia igual a cero,/ al hecho de que amanezcan con un aliento afrodisíaco/ o con un aliento insecticida./ Soy perfectamente capaz de soportarles/ una nariz que sacaría el primer premio/ en una exposición de zanahorias;/ ¡pero eso sí! -y en esto soy irreductible/ - no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar.]

Con estos versos de Oliverio Girondo se inicia está increíble historia filmada en los lugares más poéticos de Buenos Aires y Montevideo.

Oliverio, es un solitario poeta que con nulo éxito intenta hacer trascendencia con su trabajo literario. Algunos de los versos que recita en las calles, acompañados por muchos otros de Girondo, Juan Gelman y Benedetti, le ayudan a subsistir en su día a día. Pasa el tiempo juntos a otros dos amigos artistas a la vez que es visitado regularmente por "la muerte", encarnada en una agradable y sabia mujer. Pero una de sus principales pasiones, es llenar el vació de su vida a través de encuentros casuales con bellas mujeres a las cuales desecha una vez cumplido el cometido de acostarse con ellas, poniendo como excusa infalible los versos mencionados al principio. Sin embargo, conocerá a Ana, "la mujer que vuela", una prostituta que mueve su mundo irremediablemente, irónicamente a causa del rechazo sentimental que esta le ofrece repetidas veces.

Esta cinta posee un guión basado en la poesía de una manera muy conmovedora, cada escena está repleta de motivaciones recitadas apasionadamente por sus protagonistas, en un ambiente tan acogedor como oscuro y melancólico. La frustración causada por ese amor incomprendido se deja fácilmente distraer en esas faenas cotidianas, necesarias para sobrellevar el resto del día junto a la sociedad, los amigos y la propia mente alborotada de Oliverio, que a través de interesantes alegorías visuales nos remonta a experimentar sus dilemas y preocupaciones de una manera brillante.

Además, los siempre oportunos versos se apoyan en una innumerable cantidad de hermosas melodías que van desde boleros, valses, tangos y jazz; y sin mencionar las precisas letras de las canciones, es como si el sueño de vivir enamorado y tener siempre la palabra exacta para expresar nuestras emociones sea tangible a través de esta obra.

Un autentico popurrí artístico para encender "nuestro lado oscuro del corazón".

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JOHNNY GUITAR - NICHOLAS RAY

Johnny Guitar (1954)

Dirección: Nicholas Ray

¿Por qué deberías de resaltar una cinta que a simple vista es otro western más? Pues porque hay ciertas situaciones a las que es tan fácil acogerse para olvidar todo por un instante. Solo basta con sentarse y mirar al frente para dar inicio a un buceo mental lleno de color y poesía.

Joan Crawford interpreta a Vienna, una mujer audaz que corre un pequeño salón de apuestas a las afueras de un pueblo dominado por un grupo de familias que pretenden adueñarse de todo el territorio e impedir la construcción de una vía férrea que traería más y nuevos pobladores al lugar. Este grupo de personas son influenciados por la despiadada Emma, la cual busca a toda costa eliminar a Vienna y al denominado Dancin Kid y su banda. Las cosas se alborotan con la llegada de un personaje que se hace llamar a sí mismo Johnny Guitar, un hábil pistolero que pretende hacerse pasar por un simple músico, siendo en realidad el antiguo amante de Vienna, la cual es pretendida al mismo tiempo por Dancin Kid.

Narrada con una dinámica muy entretenida, la historia es una mezcla de acción, drama y suspenso que pasa de desafiantes conversaciones a violentos encuentros y persecuciones casi inadvertidamente; trayendo de la mano pintorescos planos de su protagonista y ágiles líneas de diálogo con una calidad entrañable. Se destaca al mismo tiempo el gran uso del color, tanto en las tomas de exteriores, como en el ya clásico salón Vienna's, con su curiosa decoración y el relajante sonido de una ruleta girando. La tensión permanente se crea a partir de los tercos enfrentamientos entre dos damas que heroicamente dominan un mundo de hombres, el clima de nostalgia de un triángulo amoroso sin remedio y la lucha innecesaria por un orgullo varonil,erróneamente manifestado.

No está de más considerar la falta de moral que tienen los personajes en relación al valor que perciben sobre la vida de otro. Vienna es la única representación de lo correcto y deberá enfrentarse de manera obligada a sus recuerdos reprimidos, los intereses egoístas de sus enemigos y sentimientos de venganza incurable, que serán finalmente eliminados por una tardía epifanía, evidentemente clara desde un principio.

Un film clásico con elementos muy interesantes que tuvo gran influencia para el cine de la nueva ola en Francia y porque "todo lo que necesita un hombre es una taza de café y un buen cigarrillo".

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RELATOS SALVAJES (WILD TALES) - SZIFRÓN

Relatos Salvajes (2014)

Dirección: Damián Szifrón

La tarde anterior al día en que fui al cine para ver está película un tío mío -cuyo juicio en el tema es casi siempre muy acertado- elogió con gran satisfacción esta cinta haciendo mención de la poca expectativa que tenía cuando se animó a ir a verla y basándose en la "baja calidad" de las películas que normalmente llegan. Yo muy entusiasmado, le comente que iría cuanto antes a mirarla, habiendo escuchado ya de antemano un sinfín de recomendaciones y excelentes críticas de la prensa; incluso escuché al mismísimo Ricardo Darín celebrar confiadamente al  director por su obra final y el impacto que ha venido teniendo en los espectadores.

Relatos Salvajes es una secuencia de seis breves historias completamente independientes una de otra en cuanto a su argumento, pero con extraordinarias ironías de la vida cotidiana como común denominador, cargadas de humor negro y sorpresivos desenlaces; la cinta promete mantener entretenidos a sus visitantes de principio a fin. 

Sin embargo, se han dado lugar una buena cantidad de comentarios en contra la película, principalmente por la gran expectativa generada a raíz de su efectiva publicidad, su participación en Cannes y el estar nominada para los Oscars de habla no inglesa. Todos estos factores, y personalmente me identifico, hicieron que cuando uno finalmente vaya a ver el film, este pendiente de algo que nunca llega, ni llegará. La película es divertidísima, tiene un guion muy bien elaborado en cuanto a diálogos y plantea ingeniosamente temas importantes en la sociedad actual; brinda una propuesta muy fresca con un estilo auténtico y actuaciones de primera categoría, buena música, buenas tomas pero al mismo tiempo hay un cierto elemento perdido o en todo caso ausente, esa chispa que podría haber trasformado a la película en una obra de arte de mayor, esa fuerza emocional que haría que sin lugar a dudas forme una huella en la historia, a raíz de un trabajo que tendría todo el potencial para hacerlo.

Cortázar dijo que la novela gana por puntos, mientras que el cuento lo hace por knockout; es posible que se pueda aplicar la misma analogía para diferenciar a una película con un solo argumento de aquellas que constan de varias tramas. Y es que aunque el principal problema de Relatos Salvajes sea no haber podido cubrir un vació que se había prometido llenar, vale la pena verla y tener sin lugar a dudas una experiencia muy gratificante.

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EN LA SELVA NO HAY ESTRELLAS - ROBLES GODOY

En La Selva No Hay Estrellas (1966)

Dirección: Armando Robles Godoy

Hay una particularidad en el cine peruano que merece reconocimiento, y es que siempre ha existido gente muy talentosa con una gran visión para hacer películas; lo único que siempre ha faltado y aún sigue faltando hasta ahora, es el desarrollo de una industria cinematográfica que apueste por nuevos y cada vez mejores proyectos. Así el público empiece a dejar de lado la "basura hollywoodense" que semana a semana reemplaza en las salas de cine a las propuestas artísticas locales.

Si bien, este es un tema de actualidad, me refiero a él porque la falta de interés por el cine nacional hace que el espectador promedio ignore por completo obras como la qexprondré a continuación, digna de poder considerarse un clásico.

En  la selva no hay estrellas narra las aventuras de un hombre que habiendo sido informado de la existencia de una vieja mujer que guarda una gran cantidad de oro decide emprender una travesía a través de la selva peruana, con el fin de apoderarse del precioso metal que celosamente se alberga junto a su dueña en una escondida comunidad indígena.

La trama se va desarrollando por medio de saltos en el tiempo, que una y otra vez remiten tanto a los sucesos que atraviesa el protagonista en su misión principal, como a una serie de recuerdos del pasado que de cierta forma sirven para atormentarlo. Nos encontramos con un personaje desvergonzado, embustero, egoísta, que buscará ante todo salir triunfante sin importar el precio que tenga que pagar.

De cierta forma, es su estilo narrativo el que da un toque muy interesante a esta película, acompañada además de una banda sonora muy adecuada. Los diálogos que se escuchan irregulares a las tomas recuerdan a la vanguardia desarrollada en la Nouvelle Vague (en la foto, el niño corriendo podría haber sido una intencionada referencia a los 400 golpes de Truffaut) y siendo al mismo tiempo una de las cintas pioneras en el tema de la vida en la amazonia americana guarda un enorme valor cultural que vale la pena revisar.

Robles Godoy, fue el primer cineasta peruano en recibir reconocimiento internacional gracias justamente a esta pieza que espero que con el tiempo no quede nunca olvidada, como lo fue hecho ya alguna vez.

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A FISTFUL OF DOLLARS - SERGIO LEONE

Por Un Puñado De Dólares (1964)

Dirección: Sergio Leone

Hoy en día cuando se habla de remakes se habla comúnmente de basura comercial. Es comprensible su propósito, pero ello no justifica el querer mejorar sin éxito un trabajo de calidad solo por ganar una nueva generación de espectadores, si es que es así como se plantea algunas veces. Pero afortunadamente tenemos "A fistful of dollars", remake no oficial de Yojimbo de Akira Kurosawa. 

La trama de ambas películas es prácticamente la misma, un hombre solitario y misterioso llega a un desolado pueblo en donde dos familias enemigas se disputan el control del mismo. El nuevo inquilino decide jugársela como una especie de mercenario y fortalecido por su asombrosa habilidad con el revolver, reconocida casi instantáneamente por los habitantes del lugar, utiliza su ingenio para sacar provecho de ambos bandos, conforme a su conveniencia.

A pesar de la evidente similitud entre el guión de las dos películas mencionadas, lo que destaca aquí es la buena adaptación que tiene la historia a dos realidades muy parecidas, pero con piezas muy diferentes. Mientras que en Yojimbo tenemos a un pueblo japonés, con todas sus costumbres, vestimentas y expresiones propias de su lenguaje, "Por un puñado de dólares", se ambienta al estilo de los western estadounidenses, con armas de fuego en lugar de sables y mexicanos en lugar de nipones.

Va de a mano con esta producción, conocida también por ser el pilar de los espagueti western, la clásica interpretación de Clint Eastwood. La mirada, el habano cortado, el poncho, son algunos elementos que hasta hoy en día hacen que el actor quede en la memoria de muchos como un icono popular trascendente. Hay que tener en cuenta que estamos hablando de un personaje con una moral extraña, por un lado busca su interés propio a costa de la muerte de otros hombres, pero por otro lado busca también hacer justicia; y es que la verdad, no basta solo con aparentar grandeza sino ser un ciento por ciento competente.

Otras cosas que llaman la atención son los primeros planos, que tomaron otro sentido al momento de crear suspenso en este tipo de cintas; además hay decenas de tomas curiosamente realizadas, como por ejemplo aquellas escenas con caballos en marcha, las botas filmadas al ras del suelo y los heroicos tiroteos, cuyo estilo puede verse en otros films similares. Y sin dejar pasar la picardía de algunas situaciones, acompañadas musicalmente por la magnífica primera colaboración de Ennio Morricone con Sergio Leone, se puede decir que el producto final es de primera.

Vale la pena completamente mirar esta película y si no viste la versión original de Kurosawa, te recomiendo que lo hagas también. "-Adiós amigo".

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GONE GIRL - DAVID FINCHER

Perdida (2014)

Dirección: David Fincher

El director de está cinta es uno de los que mejor buscan retratar el estilo de vida estadounidense del nuevo siglo XXI y puede que en un futuro aún lejano, sus películas sean recordadas por esta característica en especial. 

Un matrimonio, investigación policial, prensa sensacionalista y desequilibrio mental son las piezas del último trabajo de David Fincher que regresa nuevamente con lo que podría ser su género intrínseco, para mantener a su audiencia intrigada de principio a fin. 

En esta ocasión tenemos al ya revindicado Ben Affleck, interpretando a un hombre cuya esposa súbitamente desaparece un día, hecho que genera una serie de eventos en la localidad tras la aparición de confusas pistas que señalan a este hombre como el principal sospecho en el caso. A partir de aquí empezaran un sinfín de encuentros y giros inesperados, mentiras, engaños por doquier y una alternación entre ausencia y presencia de empatía a medida que uno se adentra en la historia.

Tal vez no sea más que otra cinta sobre crimen y misterio y su paso a la posteridad este aún por determinar, pero hay que admitir que el guión juega el rol más importante aquí, es curiosamente impredecible y no deja cabos sueltos en una trama que te descompone justo en el instante que pensabas tener todo resuelto. Tiene idas, vueltas y entradas de personajes con diferentes funciones para afectar a los protagonistas tanto a nivel personal como social. Algo que particularmente llama la atención es la relación evolutiva que tiene la historia en contraste con la puesta en escena, siendo al principio un relato esperanzador con un tono deprimente, poco a poco  se deja entrar la luz en cada escena a medida que la situación se torna más oscura y perversa, al punto de provocar temor y paranoia.

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CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND - STEVEN SPIELBERG

Encuentros Cercanos Del Tercer Tipo (1977)

Dirección: Steven Spielberg

Alguna vez leí como Terry Gilliam comparaba a Kubrick con Spielberg, diciendo que las películas de este último tienen como elemento común un final feliz; nunca tendrás que llegar a casa y ponerte a reflexionar o buscar algún significado de lo que viste, por lo tanto, es allí donde radica el éxito de su trabajo y es lo que hace de Spielberg un director hollywoodense por excelencia. De acuerdo con Terry Gilliam, tal vez la fórmula del éxito es darle siempre a la gente lo que quiere ver y realmente lo único que quiere un espectador es pasarla bien. Sin embargo, hay otra cuestión que es al mismo tiempo irrefutablemente cierta, Steven Spielberg es un tipo que sabe como hacer una gran película. 

Dejando de lado la preferencias de géneros y creencias personales, hace falta muy poca cosa para animarse a pasar el tiempo mirando ciencia ficción. Es un género muy atractivo y no se cual podría ser la situación en el momento que esta película vio la luz, pero hoy en día los extraterrestes siguen siendo muy populares y han sido recreados ya centenares de veces en mil y un contextos diferentes. Pero encuentros cercanos del tercer tipo es distinta y guarda un asunto mucho más importante que el puro entretenimiento.

La base de la historia se resume de la siguiente forma: Roy (Richard Dreyfus), un hombre de familia común y corriente experimenta el encuentro con un OVNI, a partir de lo cual su creciente interés a raíz de algún extraño contacto psicológico lo lleva a obsesionarse por hallar una respuesta hasta el punto de perderse en una aparente locura. Roy conoce a Jillian, la madre de un niño muy pequeño que también siente la misma conexión he interés de saber que es lo que está pasando. Complementariamente a todo esto, nos encontramos con el personaje de Lacombe (Francois Truffaut), un científico apasionado del tema que junto a su equipo de investigación y el gobierno estadounidense busca hacer un contacto, basando sus pistas a partir de extraordinarios acontecimientos que se han venido presentando a lo largo del mundo. 

Todos los elementos puestos en el guión, conllevan esas interrogantes comunes sufridas por muchos ante el misterio y la confusión de pensar que sorpresas nos aguarda más allá de la atmósfera terrestre, llegando a descomponer todo lo que sabemos ante situaciones que escapan completamente a toda nuestra compresión de la vida como la percibimos.
La cinta entera está plagada de profesionalismo por todas partes, pasando por las interpretaciones, los efectos especiales hasta la edición del sonido que llega a hacer temblar toda la habitación. 

Evidentemente y fuera de toda opinión contraria acerca de la forma de ver estas cosas, el producto final es impecable.

Me voy a quedar por algún tiempo con el gusto de recordar algunas tomas como, la reacción de Richard Dreyfus en su primer encuentro, el ambiente de locura y desesperación en la casa Jillian y su hijo cuando la nave extraterrestre se presenta ante ellos y el saludo de señales con las manos que Truffaut ejecuta, por nombrar algunas. Sin duda, una gran escenificación de lo que podría llegar a ser el evento más importante en la historia de la humanidad.

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THERE WILL BE BLOOD - P.T. ANDERSON

Petróleo Sangriento (2007)
Dirección: Paul Thomas Anderson

Conozco el trabajo de Daniel Day-Lewis por referencias, sin embargo no he llegado a ver en profundidad mucho de este en la pantalla. Hay películas que este popular actor ha hecho a lo largo de su carrera y es imposible negar que han dejado una huella de trascendencia difícil de no reconocer, huella que espero a partir de ahora seguir con más atención, animado por encontrarme con más experiencias similares a las que tuve mientras disfrute de esta imperdible obra de dos horas y media.

Daniel Plainview es un hombre astuto que encuentra su razón de vida en la extracción de petróleo en una comunidad estadounidense a comienzos del siglo XX. En compañía de su pequeño hijo va adquiriendo experiencia y reconocimiento como uno de los mejores en el campo a medida que su imperio personal crece. Sin embargo, debe enfrentarse a distintos problemas dentro de la comunidad, siendo el más significativo de ellos su rivalidad con el joven pastor de la congregación religiosa dominante en el pueblo.

Un poco conocido Paul Dano, es el encargado de interpretar al pastor. Su desempeño cae muy bien a la historia como un personaje pesado, infantil, vengativo, que junto a la presencia de Day-Lewis como un villano de la vida real, logran sacar lo peor de cada situación vivida como seres humanos incompatibles en si mismos y dentro de la sociedad. Avaricia, ausencia de amor y fanatismo religioso son algunos de los temas que se tocan en la cinta cuyo ya sugerente título revela que las cosas van a salir eventualmente mal. 

Pero sin duda alguna, el mayor crédito se lo lleva el director, que además, se encargo de adaptar el guión para mostrarnos un propuesta diferente. Desde la banda sonora hasta los increíbles efectos especiales en las escenas del petróleo, captadas con impresionantes planos secuencia, dan a este drama un aire tétrico en las irónicas situaciones que enfrentan los protagonistas puestas en marcha con auténtico detalle, desde la aparición del título hasta la última línea de los créditos.

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BANDE À PART - JEAN-LUC GODARD

Banda Aparte (1964)

Dirección: Jean-Luc Godard

Antes de empezar ha rellenar de palabras estás líneas, tengo que confesar de ante mano la enorme admiración que siento hacia el cine de la Nouvelle Vague y sobre todo a Godard, películas llenas de vanguardia y autenticidad, uno siempre termina lleno de inspiración de alguna u otra forma. Sin dudas, la mejor muestra de la importancia del cómo muy por encima del qué.

En fin, Bande à part cuenta con un elemento trivial pero efectivo: el trío. Dos hombres y una chica, receta perfecta para los problemas. Sin embargo está no es particularmente una historia de amor, a pesar de las situaciones relacionada, es algo más parecido a un film de criminales, pero más inocente. 

Odile, una chica que vive con una tía en una gran casa conoce en una clase de literatura inglesa a Franz y Arthur, los cuales la convencen de robar una gran cantidad de dinero que se esconde en la casa mencionada, el resto es historia.  

Entre los personajes podemos distinguir diferentes personalidades, Franz como el idealista y romántico pero lento, Arthur, como el osado, egocéntrico e interesado y Odile, inocente, ingenua y encantadora. Todo se mezcla en una aventura de ensueño por las calles de París. Y es que está película muy por aparte de su trama, está repleta de ingeniosas escenas cargadas de humor negro y como sacadas del arca dorada de las ideas. Muchos coincidirán en que la escena del baile en el café y una carrera por el museo de Louvre son el momentos escogidos para su posteridad en lo clásico.

La cinta es altamente recomendable y promete mucho más allá que entretenimiento, serios sentimientos encontrados, ya sean a través de Shakespeare, Anna Karina o el vivo recuerdo de otros films con detalles inspirados en este. 

BEFORE MIDNIGHT - RICHARD LINKLATER

Antes del Anochecer (2013)

Dirección: Richard Linklater

*Indispensable no perderse la primera y segunda parte, "Before Sunrise" y "Before Sunset".

Algunas personas catalogarían ciertas películas dentro del género "cine de turismo", algo así como algunas películas que hizo Woody Allen estos últimos años, en donde el entorno físico de los eventos es un incuestionable protagonista. Dicho sea de paso, la trilogía popularmente conocida como "Before..." merece una mención como un trabajo que a diferencia de otras famosas franquicias mucho más taquilleras y reconocidas conserva una calidad de serio compromiso en todas sus entregas. 

En esta tercera parte, se tiene el mismo esquema con diferente fondo, Ethan Hawke y July Delpy hablan, hablan y hablan, mientras realizan un itinerario de ensueño europeo, en esta ocasión la península del Peloponeso en Grecia. De la ciudad al campo y a diferencia de sus antecesoras, esta última parte nos muestra a una pareja casada en situaciones mucho más convencional, con problemas más reales y sentimientos más parecidos a lo que todos los que han estado en una relación sentimental han pasado.

Las discusiones de los personajes vienen dadas, como ya es conocido, por un guión cuidadosamente desarrollado bajo un diálogo lleno de banalidades cotidianas y curiosidades culturales. Las largas tomas que particularmente no recurrieron a ninguna improvisación son claves para dar una sucesión dinámica a cada una de las escenas que pretenden transcurrir en menos de doce horas, en otras palabras, un día tan "especialmente" común como todos.

La personalidad y actitud de cada protagonista quedan a la reflexión y comprensión de cada quien, pues uno como espectador tendrá eventualmente que escoger un bando a defender. Mas vale recordar que el film, con un clima de parcial oscuridad y un pesimismo infiltrado, deja muy claro como el amor y las relaciones lo son todo, menos fáciles. 

Finalmente, quien diría que  después oír a dos personas conversar durante más de noventa minutos, por tercera vez, quieres seguir escuchándolos aún más.

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AN AMERICAN WEREWOLF IN LONDON - JOHN LANDIS

Un Hombre Lobo Americano en Londres (1981)

Dirección: John Landis

Resumiendo rápidamente el contexto. Dos jóvenes estadounidenses sufren el ataque de una extraña criatura. Uno de ellos muere, mientras que el otro contrae la maldición del licántropo, pues solamente fue mordido. Mientra se recupera en un hospital trata de explicar sin credibilidad lo sucedido, desarrolla una atracción mutua con su enfermera, recibe incómodas visitas de su fallecido compañero y enfrenta un dilema mortal entre la enfermedad y la cordura.

Utilizando elementos de clásicas y modernas leyendas acerca del popular hombre lobo, que incluyen a la luna llena, su mordida contagiosa y la maldición de vagar en el limbo aquellas almas que tuvieron el infortunio de padecer en manos de uno, esta particular historia se desarrolla en un ambiente fantástico empapado de pesadillas horrendas, consecuencias fatales y un estilo de comedia negra inesperado.

Esta película, si bien no destaca por grandes actuaciones ni un guión de profundo mensaje, regala al espectador una experiencia inolvidable. En referencia a típicos clichés que frecuentemente nos ofrecen las películas de terror, resulta muy excitante disfrutar de la tensión que crea Landis con muchos de ellos en un mundo místico, sobrenatural y a la vez tan ordinario para nosotros como lo es el siglo XX. No está demás la mención de irónicas situaciones por las que atraviesan sus personajes en una auténtica prueba de lo que puede esperarse del amor y la amistad.

Obviamente, no podía faltar una ansiada transformación en la noche de luna llena, digna de ser repetida una y otra vez gracias al excelente trabajo de maquillaje e ingeniosas técnicas de stop motion, simplemente inolvidable.

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HUGO - MARTIN SCORSESE

La Invención de Hugo Cabret (2011)

Dirección: Martin Scorsese

Durante algún tiempo y luego de ver el trailer me resistí de ver esta película, pues de cierta manera tarde en asimilar que Scorsese había realizado una cinta familiar, sin sangre, sin sexo, sin drogas, sin Dicaprio ni De Niro. Esto ya suena muy mal porque es terrible poner etiquetas, pero eso me pasó. Sin embargo, Hugo es la prueba del infinito valor emocional que día a día se pierde por culpa de los prejuicios. Afortunadamente, no me prive de la experiencia.

Hugo, ambientada en los años 30, es la historia de un niño que vive sólo en las paredes del la estación de trenes de París, pasa sus días dando cuerda a los grandes relojes, escapando de un inspector y su perro, y robando piezas de la juguetería de un viejo hombre, con el fin de reparar un autómata que le dejo su padre antes de morir. Es a partir de que el viejo juguetero atrapa a Hugo y le quita una libreta con un contenido que extrañamente le altera que el niño y la sobrina del viejo pasarán  un sinfín de aventuras juntos, mientras descubren que la relación del juguetero con el averiado autómata guarda un invaluable viaje en el tiempo.

Se percibe un mundo lleno de colores pero también de recuerdos de una época diferente. Siendo está una producción apta para todos se conserva mucho la inocencia en la personalidad de sus personajes, pero también es evidente sentir angustia, generada por la soledad de un niño abandonado, la arrogancia que disfraza la falta de afecto en la vida del inspector y los fantasmas del pasado de un hombre frustrado. Se guarda mucha experiencia de vida y profesionalismo con tomas largas y grandes efectos, pero sobre todo con una gran historia. La búsqueda de Hugo por encontrar un mensaje de su padre que aparentemente no existe, junto con los recuerdos e ilusiones de una familia  legendaria, llevan a conmoverte hasta los hueso, mientras se proyecta el clásico "Le voyage dans la lune" de George Melies, en una escena inolvidable.

Y es que Hugo, no es solamente una película, es un homenaje, una fiesta lanzada para honrar tanto al hombre como a su obra que permiten que hoy en día tengamos al cine como el maravilloso arte que  nos apasiona a todos.

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ÁTAME! - ALMODÓVAR

Átame! (Tie Me Up! Tie me down!) - 1990
Dirección: Pedro Almodóvar

Ricky, escenificado por un joven Antonio Banderas,  es un muchacho desequilibrado que a penas sale libre de un centro mental secuestra a una actriz de la cual ha vivido enamorado desde hace algún tiempo, Marina (Victoria Abril). El secuestro se da en el apartamento de la propia muchacha en donde Ricky le confesará que el único objetivo de su proceder es lograr que ella también llegue a enamorarse de él.

Nos encontramos con el prototipo de un anti héroe muy particular, un romántico, un loco nocivo para la sociedad, el típico perdedor inadaptado, se entremezcla con su opuesta condición, la princesa del castillo, un ser perfecto que tiene poco para dar y mucho que perder. Junto van formando parte de una historia con la cual es muy fácil quedarse enganchado en cuanto a comedia e intriga corresponde.

En realidad, hay muy poco que reprocharle a una película hecha con tantos elementos entrañables que van desde la irresistible simpatía de sus personajes hasta los emotivos sobresaltos  que genera la evolución secuencial en la actitud de Marina, llegando al clímax con una escena de sexo inundada de auténtica pasión únicamente superada por el "no lo sé," más dolorosamente sincero, jamás dicho. 

Sin embargo, no dejaron de entrometerse un par de escena eróticas innecesarias, y un final muy repentino, pero que a fin de cuentas cumple con dejar una inocente lección en la representación más extraña de que el fin justifica los medios.

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